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Les artistes 3D devaient sculpter l’argile pour prévisualiser un modèle 3D. Grâce à l’introduction de la sculpture digitale et le virage numérique très prononcé récemment, cette dernière s’est imposée en pratique standard du domaine.

Mudbox est un logiciel de la famille AutoDesk. Apprendre les fondamentaux de ce logiciel aide les étudiants à affiner leurs aptitudes en sculpture digitale, et deviennent ainsi des utilisateurs avancés de modélisation polygonale et de surface dure.

Les étudiants seront en mesure de sculpter un personnage de leur choix, l’exposer en 3D, lui donner une texture, et réaliser des proportions adéquates.

Ce cours est une introduction au dessin numérique à l’aide de Photoshop.  Ce cours aidera les étudiants à apprendre l’illustration en 2D ainsi que la peinture à l’aide des couches, masques, brosses, etc. Les étudiants gagneront une compréhension de base de l’anatomie humaine, de l’éclairage et de l’ombre, des perspectives, de la composition, de la théorie des couleurs et l’harmonie.

À la fin de ce cours, les étudiants seront en mesure de produire une illustration de personnage dans un environnement par rapport à une perspective d’un point, deux deux points, et de trois points.

Ce cours aborde deux sujets complémentaires : la conception de personnage et le scénarimage.  Ceci permet aux étudiants de produire des personnages ainsi que leur environnement.

La conception de personnage se focalise sur la recherche de divers aspects d’un personnage – notamment les aspects physiques, physiologiques, mentaux, émotionnels, sociaux et environnementaux- pour être en mesure de le créer dans son environnement.

La production de scénarimage est, quant à elle, centrée sur la narration, le scriptage, ainsi que l’illustration des maquettes.  Ce volet enseignera également les divers types d’outils et processus utilisés dans l’industrie du film, tels que les prises et les angles d’image, le cadre d’affichage, la vitesse de trame, etc.

Dans un scénarimage, l’idée, le concept et la créativité sont cruciaux.  Les étudiants sont encouragés à montrer leurs talents et compétences en élaborant des scénarimages bien ficelés.

Durant ce cours, les étudiants auront une introduction au différents outils et techniques utilisés par les modélisateurs 3D utilisant Maya, et saisiront l’équilibre à maintenir entre qualité et performance.
Les étudiants obtiendront une compréhension solide de la modélisation polygonale en utilisant divers formes standards et primitives de maillages, de modificateurs, de lignes et d’objets composés, etc.

À la fin du cours, les étudiants seront en mesure de modéliser un véhicule complètement fonctionnel, tout en respectant les plans, les dimensions et les proportions d’origine.

Le véhicule modélisé sera utilisé de nouveau lors des deux cours suivants (Introduction aux textures et Introduction à l’animation)  De cette manière, les étudiants apprendront à texturer et animer le même véhicule.

Les étudiants apprendront à déballer un modèle 3D en utilisant les nombreux outils de Maya (UVW déballage et cartographie).  Les étudiants apprendront à acquérir, corriger, ajuster, et manipuler des images à l’aide de Photoshop à des fins de texturation.  Finalement, les étudiants seront en mesure de basculer d’un logiciel à un autre tout en comprenant leurs interdépendances.

Les étudiants apprendront les bases de l’animation d’un objet, ainsi que la différence entre l’animation par image-clé et l’animation semi-automatisée.  Les étudiants seront en mesure de créer différents types d’animations en utilisant une variété d’outils et de techniques, tout en comprenant leurs usages et contraintes avant de les appliquer aux projets mécaniques.  Finalement, une introduction à l’éclairage (lumières standards et photométriques) et au rendu (Scanline Vs Arnold) aidera à boucler le cycle de la production.

Ce module introduit les concepts requis pour modéliser des formes organiques et des personnages à l’aide de la modélisation polygonale avec la technique des boucles (Loops).  Ce type de modélisation permet de créer des personnages qui peuvent être animés pour plusieurs types d’actions, telles que marcher ou parler.

Les étudiants apprendront à modéliser une tête (forme de la tête, yeux, oreilles et nez), mains et bras, pieds et jambes, et finalement le torse pour articuler toutes les pièces.

Ce module présente le concept de Rigging de personnage et son rôle dans la création de bibliothèques de mouvements.  Le Rigging est le processus consistant à ajouter une structure osseuse au maillage modélisé.   Les étudiants apprendront à compléter un modèle prêt à animer à l’aide de cibles de morphing, ainsi que les outils de skinning et de poids.

Ce cours est une opportunité pour se familiariser avec Biped, le mixeur de mouvements ainsi que d’autres outils.

Ce cours prépare les étudiants à assigner des attributs matériels à leurs modèles et environnements.  Le cours démontre comment les matériaux peuvent être manipulés pour raccourcir le temps de rendu et réduire la taille d’un fichier 3D.

Les lumières et textures sont importantes dans la création d’éléments comme des impacts de balle, des marques d’explosion, des éclairs ou des incendies.  Les étudiants produiront leurs propres textures personnalisées à partir de photos existantes ou à zéro afin qu’ils les utilisent dans leurs futures productions.  Les techniques inclues comportent la création de cascades homogènes, cartes d’environnements, et skins de personnages en plus de cartes spéciales pour créer des cahots, des créneaux, des reflets, ainsi que la transparence de parties sélectionnées d’un modèle 3D.

La première session a aidé les étudiants à comprendre comment réaliser des animations mécaniques simples.  À présent, ils devront travailler sur des processus plus complexes : l’animation de personnage.  Revenant à l’origine de l’animation 2D basée sur les 12 principes de l’animation, les étudiants commenceront par apprendre à créer des actions et cycles réalistes comme marcher, courir, frapper, sauter, lancer, pousser, et bien plus.

Ce module prend le relais au dernier point de l’animation de personnage, se centrant dorénavant sur la tête et le visage du personnage plutôt que son corps.  Les étudiants apprendront les visèmes pour une synchronisation adéquate des mouvements des lèvres.

Les étudiants accèdent aux secrets de l’animation en lui donnant vie grâce à la personnalité et le caractère.  L’accroupissement et l’étirement, le mouvement secondaire, le chevauchement, les enchaînements, les exagérations de mouvement, ainsi que l’anticipation sont ajoutés au répertoire d’animation.  Également, les subtilités de l’animation faciale pour exprimer des émotions et des traits de personnalités seront abordées ultérieurement.

Ce cours familiarise les étudiants avec la modélisation architecturale avancée en se basant sur des plans architecturaux originaux.

Travaillant d’une perspective macro vers micro, les étudiants commenceront par les environnements tels que les rues, en passant aux bâtiments, chambres, mobilier et -finalement- les accessoires.

L’objectif de ce module est de créer des constructions réalistes et détaillées, en tenant compte des échelles à taille réelle, les matériaux, l’éclairage et le rendu.

Au fils de ce cours, les étudiants apprendront à créer des effets spéciaux à l’aide de différents types de systèmes à particules, de forces, des distorsions d’espace, déflecteurs, etc.

C’est une excellente opportunité pour apprendre à simuler l’eau, le feu, les explosions, la fumée, ainsi que plusieurs autres effets utilisés dans les jeux-vidéo, le cinéma, ou la télévision.

Sous forme de projet de groupe, les étudiants produiront un effet spécial en simulant un volcan, une tornade, ou un tsunami.  Ils seront également familiarisés à la retouche vidéo en utilisant Adobe Premiere et After Effects pour leur dernière vidéo produite.

Ce cours est une continuation du cours précédent.  À ce stade du programme, les étudiants devraient être en mesure de créer une scène complètement animée avec divers systèmes à particules, des techniques avancées d’éclairage (GI, Caustics) et de rendu avancé en utilisant Arnold.

Ce cours permet aux étudiants de choisir un projet, déterminer les outils, et désigner les processus de production pour réaliser une simulation réaliste passant le processus de rendu, puis celui de la retouche en utilisant la retouche ou la composition avec des outils comme Adobe After Effects ou Premiere.

À travers ce cours, les étudiants travailleront sur un projet d’équipe consistant à produire un niveau d’un jeu vidéo.  Les étudiants seront impliqués dans un processus complet de production.

Ils se familiariseront avec l’industrie du jeu-vidéo comparativement à celles des VFX pour télévision et cinéma, les types de jeux et studios, ainsi que le rôle que chacun devra prendre dans une équipe, tout en abordant les considérations des coûts, de la qualité et des échéanciers, etc.

Les étudiants passeront leurs travaux antérieurs en revue, réviseront amélioreront leurs premières réalisations dans l’optique de créer une bande démo de 15 à 30 secondes.  Le but est d’aider chaque étudiant à déterminer leur orientation de carrière dans les domaines variés de la 3D.  Ce sera l’occasion de partager des idées, essayer, tester, expérimenter, et améliorer certaines compétences spécifiques.

À ce stade du cours, et avec l’aide de l’instructeur, les étudiants articuleront les éléments de pré-production pour une bande démo réussie (conception de personnage, scénarimage, cap, prévision de production, etc). À la fin, les étudiants devraient avoir tout ce qu’il faut pour une bande démo de haute qualité.

Les étudiants continueront à travailler sur leurs bandes démo sous la supervision de l’instructeur.  75 heures de production est le minimum requis pour développer une bande démo de 15 à 30 secondes.  À l’évidence, chaque étudiant est responsable du temps additionnel requis pour réaliser un brillant projet.

Les étudiants devront prendre en considération le temps de rendu et respecter les rencontres individuelles avec l’enseignant.   À la fin du cours de bande démo II, les étudiants devront présenter leurs travaux à la classe, le personnel du collège et des hôtes travaillant dans le domaine.  Ceci est la toute première étape pour obtenir un stage externe.

Les étudiants continueront d’améliorer leurs bandes démo pour une période de 8 semaines.  Les heures hebdomadaires de contact ont été augmentées à 35, et des heures de laboratoire en soirée pourraient être nécessaires.

À ce stade, les étudiants devraient démontrer du leadership dans l’organisation efficace du travail développé tout au long du programme.  À la fin de la première partie, soit le stage interne, ils auront à présenter leur travail à la classe, au personnel du collège, et des contacts travaillant dans le domaine.

Après avoir réalisé la bande démo, les étudiants utiliseront les connaissances et compétences acquises au cours du programme pour effectuer un stage de 8 semaines auprès d’une entreprise locale.  L’objectif du stage est de continuer à travailler sur le perfectionnement des compétences de modélisation, d’animation, de texturation, ainsi que l’éclairage et les effets spéciaux.

Parce que le domaine est très sélectif, il est très important que les étudiants fournissent de très bonnes bandes démo.  L’entreprise choisira le talent dont elle a besoin.  Les étudiants peuvent trouver des opportunités de stage dans les industries du film ou de la télévision avec pour mission concevoir des personnages, mettre en scène des objets 3D, ou travailler sur la création de produits, éléments, ou encore des vues en 3D.

Durant le stage, les étudiants renforceront leurs compétences acquises tout au long du programme, apprendront de nouvelles aptitudes et méthodes de travail, tout en apprenant à gérer le temps, à établir et renforcer une attitude professionnelle positive, à travailler indépendamment ou en équipe, ainsi qu’à tisser des liens avec collègues et clients.  Les étudiants devront documenter leur travail et remettre un rapport au Collège à des fins d’évaluation.